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Comment construire la future industrie musicale que nous voulons et dont nous avons besoin

Un guide pour la communauté musicale à utiliser pour réinventer notre avenir collectif, écrit par René Kladzyk avec des illustrations de Charlotte Doherty.

Prélude

L' an dernier, j'ai réalisé un album fortement inspiré de la science-fiction féministe et qui s'est déroulé dans un monde parallèle appelé Ardis. Un «ardis» est le point d'une flèche: un lien dans l'espace et le temps, et un symbole utile pour penser l'avenir. Ma planète Ardis était une Terre bizarre; c'était la Terre, mutatis mutandis (qui se traduit par «les changements nécessaires ayant été effectués»). J'ai aimé utiliser cet outil philosophique, mutatis mutandis , pour recadrer les problèmes d'aujourd'hui - appliquer une vision future pleine d'espoir pour entrevoir à quoi pourrait ressembler un monde meilleur.

À certains égards, faire d'Ardis m'a préparé à la tâche d'écrire ce guide et de me débattre avec un avenir hypothétique pour l'industrie de la musique dans une perspective d'espoir. Quels sont les changements nécessaires que nous pouvons adopter maintenant pour ouvrir la voie à suivre? Et nous, les musiciens, avons-nous le pouvoir de les fabriquer? Ce sont de grandes questions, et lorsqu'elles sont formulées en termes macro, elles peuvent sembler écrasantes. Mais une fois que vous ajustez votre objectif, les éléments constitutifs de la question deviennent plus clairs et le problème plus responsable. La science-fiction joue avec l'échelle et la perspective tout le temps, peut-être qu'en tant que professionnels de la musique, nous devrions faire de même.

Depuis la sortie d'Ardis, j'ai acquis une meilleure connaissance de l'état actuel de l'industrie de la musique grâce à un projet que j'ai lancé intitulé Future Music Industry , un recueil en ligne d'organisations musicales avec des femmes et des personnes non binaires en leadership. L'intention derrière la création de cette liste était de fournir une alternative aux gardiens assez homogènes (blancs, hétérosexuels, hommes cis) de l'industrie, et d'offrir aux artistes et aux travailleurs de l'industrie une ressource pour travailler avec et autonomiser les organisations qui ont un leadership plus diversifié. Faire la liste de la future industrie de la musique m'a permis de m'engager de manière critique et réfléchie avec l'état de l'industrie et a directement informé le contenu de ce guide. De même, les directives contenues ici serviront de charte pour l'avenir de ce projet.

Les conseils que vous trouverez dans ce guide ne sont pas uniquement basés sur ma propre expérience et mon opinion. En préparation de cet article, The Creative Independent et moi nous sommes associés pour créer une enquête visant à illustrer une vision pour une meilleure industrie musicale future. Près de 300 musiciens et travailleurs de l'industrie ont partagé leurs commentaires et leurs expériences, et les conseils contenus dans ce guide tirent directement et synthétisent ces réponses au sondage. Au fur et à mesure que nous parcourions les données collectées, des thèmes majeurs sont apparus - y compris les principaux défis et les voies d'amélioration unanimement convenues. J'ai essayé de synthétiser ces thèmes ici, et comme chacun est décrit, vous verrez des citations correspondantes tirées directement des participants au sondage. Si vous souhaitez lire une liste plus détaillée des principaux enseignements à tirer des résultats de l'enquête, veuillezjetez un œil au rapport complet ici .

Je vous encourage à explorer ce qui suit avec une attitude «ardisienne»: imprégnée d'un sens de la vision future et prête à prospérer sur une planète où les changements nécessaires ont été apportés. Nourrissons tendrement la future industrie musicale. Les fruits du travail créatif dépendent du contexte et nous sommes les architectes de ce contexte. Ensemble, nous pouvons construire un endroit qui sera une bonne maison pour nous tous.

- René Kladzyk

Note de la rédaction: ce guide fait partie de notre enquête en cours sur l' industrie de la musique , qui comprend des essais, des interviews, des guides, et plus encore - le tout pour rendre l'industrie de la musique d'aujourd'hui un peu plus facile à naviguer.

Sections

Étape 1: Tendez consciencieusement attention à votre communauté musicale en personne

Étape 2: Tenez compte des effets d'entraînement de votre participation à l'industrie musicale. Ensuite, écrivez votre propre code éthique.

Étape 3: Ne faites pas confiance aux plateformes numériques. Leurs meilleurs intérêts sont probablement en conflit avec les vôtres.

Étape 4: Soyez réaliste quant à la nature de cette industrie et considérez votre bien-être et vos objectifs à travers cette lentille. Définissez le succès selon vos propres termes.

Étape 5: Allez au-delà.

En résumé...

Guider

28 janvier 2020

Partie de:

Construire une

enquête

communautaire sur l'

industrie de la musique

 

Étape 1: Tendez attention à votre communauté musicale en personne

En tant que premier apprentissage clé à faire surface dans ce guide, il est nécessaire de souligner à quel point la carrière de l'industrie musicale dépend entièrement de sa capacité à avoir les bonnes relations personnelles. Cette tendance est frustrante pour ceux qui n'ont pas accès aux opportunités, ceux qui ne veulent pas sortir dans les bars tard le soir (pour un certain nombre de raisons très valables), et ceux qui vivent dans des zones plus rurales où il est difficile de trouver votre gens. Tant de prises de décisions se font par des poignées de main dans des salles vertes et lors de fêtes, et cela semble injuste parce que c'est le cas. Cependant, il existe des moyens pour que cette même envie népotiste qui perpétue le club des garçons et une boucle de rétroaction d'exclusion puisse également être exploitée et transformée en une force de démocratisation.

Nous devons nous occuper soigneusement et consciencieusement de notre communauté musicale en personne et de nos expériences de partage de musique. Bookers, propriétaires de salles, promoteurs, artistes, presse, fans: vous avez tous un rôle à jouer. Les spectacles en direct sont un moyen principal pour les artistes d'accéder aux opportunités, le moyen le plus lucratif de gagner de l'argent, et sont extrêmement amusants lorsqu'ils sont bien faits. Nous supportons les déchets de l'industrie en raison de la joie profonde de voir et de ressentir la musique ensemble en temps réel. Les expériences de collaboration en personne, les collectifs, les concerts en direct et la dynamique sociale de la scène locale sont un domaine critique pour l'amélioration de l'industrie musicale, et largement accessible.

Sur la base de mes expériences personnelles et des idées des répondants au sondage, voici quelques façons de construire votre propre carrière - et l'industrie future de la musique que nous voulons et dont nous avons besoin - en s'occupant de votre communauté musicale en personne:

Soyez radicalement gentil.

Celui-ci peut sembler évident, mais il vaut la peine d'analyser comment votre gentillesse peut véritablement affecter votre carrière, vos relations et l'industrie dans son ensemble. Faites attention à l'ego et entretenez vos relations personnelles et professionnelles dans l'industrie musicale avec un haut niveau de soin. Non pas parce que vous espérez que les gens avec qui vous êtes gentil vous aideront un jour (même s'ils le feront probablement), mais parce qu'ils sont des êtres humains et (comme vous) travaillent dans un domaine très difficile.

Trouvez votre peuple et soutenez-vous les uns les autres de manière agressive.

Rejoignez un collectif (ou créez-en un!); participer à votre scène locale et l'aider à grandir. De nombreux répondants au sondage ont raconté comment ils ont trouvé leur voix et une communauté pour les soutenir en s'organisant, en se joignant à d'autres et en formant des groupes actifs.

«Les collectifs permettent aux gens de manifester leurs propres hétérotopies et de les mettre au monde. En créant leurs propres règles et en donnant l'exemple, ces groupes ont forcé des changements dans les lieux, la culture, les festivals et la législation plutôt que d'attendre que le changement se produise de haut en bas. »

Trouvez des moyens de donner en retour de manière cohérente.

Partagez des ressources, reconnaissez votre privilège et aidez ceux qui manquent des opportunités que vous avez. Si vous êtes un artiste ou un professionnel plus expérimenté, envisagez de parrainer quelqu'un de nouveau dans le domaine - de nombreux répondants au sondage ont noté la nécessité de plus de possibilités de mentorat pour améliorer concrètement l'industrie de la musique. Faites partie d'un changement populaire pour le mieux en pensant au-delà de vos intérêts personnels et en offrant un esprit de générosité à votre communauté créative, de quelque manière que ce soit qui vous semble appropriée et réalisable pour votre situation dans la carrière et les ressources dont vous disposez.

Priorisez la diversité, l'inclusion, l'équité et la transparence.

Chez les musiciens et les travailleurs non musiciens de l'industrie, les répondants au sondage ont suggéré à une écrasante majorité que la diversification du leadership dans l'industrie serait un moyen clé de provoquer un changement positif. Mais comment faire sortir les anciens gardiens et injecter une nouvelle énergie et de nouvelles perspectives dans les positions de pouvoir de l'industrie? La première étape consiste à ouvrir l'accès aux opportunités à mesure qu'elles se présentent et à éviter les situations insulaires de «club de garçons». Évaluez les façons spécifiques dont votre communauté créative peut être plus diversifiée et ouverte, et le rôle que vous pouvez jouer en la poussant dans cette direction - soit en vous intensifiant, soit en prenant du recul. Pensez à qui vous élevez et pourquoi.

«Nous avons besoin d'un changement plus actif dans les décisions individuelles sur le lieu de travail plutôt que d'attendre qu'un changement plus large de l'industrie vienne à vous. Pour qui soutenez-vous / payez-vous / gagnez-vous de l'argent? Prenez-vous le temps de corriger le manque de diversité dans votre travail? Prenez-vous le temps de comprendre comment votre comportement professionnel crée un environnement hostile pour les personnes qui ne sont pas d'autres hommes privilégiés blancs, cis, hétéros? »

Remplir et promouvoir des espaces sûrs

Les sites ont une énorme responsabilité en termes de création et de maintien d'espaces exempts de harcèlement, de discrimination et d'intimidation. Cependant, cette responsabilité s'étend également à tant d'autres personnes qui travaillent avec des lieux: les bookers, les promoteurs, les musiciens et la presse doivent tenir compte des espaces qu'ils occupent fréquemment et pourquoi. Si tout le monde ne se sentait pas le bienvenu ou en sécurité dans l'espace dans lequel vous vous trouvez, reconsidérez votre participation dans cet espace - participez à son changement pour le mieux ou n'y allez plus.

«La création d'espaces communautaires inclusifs, intéressants, suscitant la réflexion et sûrs enlève toujours la structure prédominante des choses axée sur l'ego dans l'industrie, et la ramène à la musique et au dialogue qui l'entoure. Rendre la musique accessible et souligner son importance pour le tissu de la vie, c'est ce qui va changer les choses. »

«J'ai vu des effets concrets à plus petite échelle dans ma propre scène lorsque les réservations s'engagent dans des files d'attente plus diversifiées, et je peux voir un chemin simple vers un changement plus large si les agences de réservation et les promoteurs plus grands pouvaient s'engager sur des priorités similaires.»

Étape 2: Considérez les effets d'entraînement de votre participation à l'industrie musicale. Ensuite, écrivez votre propre code éthique.

Quand j'ai commencé à créer ce guide, je voulais que ce soit une liste d'actions concrètes facilement réalisable qui galvaniserait les gens de l'industrie pour transformer notre paysage collectif. J'ai naïvement commencé à compiler mentalement des déclarations générales et des règles qui, selon moi, amélioreraient indéniablement les choses. C'est une notion tellement séduisante, l'envie d'universaliser. Malheureusement, comme cela m'a été rappelé tout au long de ce processus, les déclarations générales correspondent rarement à toutes les dynamiques variées qui existent dans ce monde et dans cette industrie.

Par conséquent, j'ai une demande non sexy à adresser à quiconque lisant ceci, qui, si elle est adoptée à grande échelle, entraînera un changement puissant: réfléchissez soigneusement et de manière critique à l'éthique de votre implication dans l'industrie de la musique, puis écrivez votre propre code d'éthique. Et ne considérez pas votre code de conduite personnel une seule fois; faites-en plutôt un processus continu de réflexion intérieure et extérieure. Soyez un champion de l'équité, de l'élévation mutuelle, de la responsabilité, de la sécurité et de la croissance collective positive. Avec qui travaillerez-vous? Quels effets d'entraînement (ou même d'effets directs) aurez-vous?

Sortez un stylo et du papier et consacrez du temps à la rédaction de votre code de conduite. Tenez compte de ces points lors de l'écriture:

Identifiez vos propres valeurs et normes.

Lorsque vous travaillez avec d'autres dans l'industrie de la musique, que tolérerez-vous et ne tolérerez-vous pas? Quelle quantité de sacrifices êtes-vous prêt à faire dans un souci d'équité? De la sécurité des autres? Prenez l'espace et le temps pour considérer de manière critique qui vous êtes et qui vous aimeriez être pour les membres de votre communauté créative. De nombreux répondants au sondage ont souligné leur frustration à l'égard des personnes qui perpétuent et soutiennent des pratiques et des structures déloyales. Au lieu de tomber dans ce camp, soyez fier d'être une personne avec des valeurs fortes et des normes élevées.

«La mise en œuvre d'approches éthiques, quelle que soit la portée ou l'impact, est importante.»

Soyez responsable - à la fois envers vous-même et envers les autres.

Il y a une sensibilité du Far West dans l'industrie de la musique, et elle permet aux gens de s'en tirer avec beaucoup de comportements de merde. Donc, dans cette arène souvent non structurée, vous devez d'abord et avant tout être responsable envers vous-même. Une fois que vous avez identifié vos normes, respectez-les en paroles et en actes. Soyez courageux en étant disposé à exprimer une opinion impopulaire, à appeler quelqu'un même s'il est en position de pouvoir social, à dire non lorsque cela est approprié et à prendre des décisions qui vont au-delà du gain personnel aux besoins de votre communauté au sens large.

«Je sais que c'est intimidant, mais je fais de mon mieux pour dénoncer un comportement de merde quand je le vois, car je suis fatigué et je veux que les gens soient meilleurs.

«Nous avons vu les abus les plus fous de l'industrie - les sociétés de marketing ont pris 10 000 $ pour des campagnes de 3 mois, puis sont parties en vacances pendant 2 de ces mois. Personne sur l'étiquette ne dit un mot, donc l'artiste ne se retrouve avec rien. Le manque de professionnalisme et de responsabilité dans l'industrie est stupéfiant. Pendant ce temps, l'artiste affecté par la mauvaise décision est jeté dans la rue car on en trouve toujours un autre. »

Vérifiez votre privilège et utilisez-le pour aider les autres dans la mesure du possible.

Comme nous l'avons constaté dans le sondage, 25% des musiciens et 34% des professionnels de l'industrie se sont identifiés comme «financièrement privilégiés». Bien sûr, le privilège économique s'aligne souvent sur d'autres formes de privilège, que ce soit la race, le sexe, la capacité et au-delà. Si vous bénéficiez vous-même d'une sorte de privilège, sachez que vous portez une plus grande responsabilité éthique pour contrer les structures d'inégalité qui façonnent l'industrie de la musique. Les opportunités sont beaucoup plus accessibles à ceux qui ont un filet de sécurité financière, et l'insécurité financière est un élément clé pour presque toutes les branches de l'industrie. Écoutez ceux dont les voix ont tendance à être marginalisées et voyez ce que vous pouvez faire pour les élever et les responsabiliser.

«Je serais ravi que mon avis soit davantage sollicité par les hommes blancs cis de l'industrie. Je me lasse que quelqu'un doive me présenter ou expliquer ce que je fais avant que quelqu'un ne soit impressionné. »

Être spécifique.

Existe-t-il des moyens implémentables pour améliorer votre communauté musicale? Pendant que vous composez votre code d'éthique, énumérez des choses concrètes que vous pouvez faire pour améliorer votre scène, les lieux que vous habitez et les personnes qui y opèrent (plus juste, plus diversifiée, plus sûre). Cela signifie peut-être pour vous l'ajout d'un avenant d'inclusivité pour les spectacles que vous jouez, ou de ne pas réserver / assister / promouvoir des spectacles qui n'ont pas de diversité parmi les artistes. Cela signifie peut-être soutenir le travail d'artistes qui pourraient autrement être marginalisés et donner la priorité à l'équité en matière d'argent. Il existe de nombreux postes à partir desquels les gens approchent et s'engagent avec l'industrie de la musique, et il vous incombe d'interroger votre position, les façons dont vous opérez et comment, au jour le jour, vous pouvez faire partie d'une force qui est améliorer les choses.

Étape 3: Ne faites pas confiance aux plateformes numériques. Leurs meilleurs intérêts sont probablement en conflit avec les vôtres.

Lorsqu'ils étudient la difficulté que rencontrent les artistes et les travailleurs de l'industrie pour se forger une carrière durable, les services de streaming comme Spotify sont les principaux suspects de la communauté musicale. Le schéma d'évaluation de la musique a complètement changé de telle manière que le travail créatif des musiciens est beaucoup moins apprécié (en termes de dollars, au moins). Les auditeurs acquièrent et consomment de la musique différemment maintenant, et beaucoup d'entre eux ne savent pas à quel point les plateformes de streaming ont nui à la capacité des musiciens indépendants de survivre. En recherchant ce guide, j'ai parlé avec la journaliste Liz Pellysur le paysage actuel du streaming. Pelly est un commentateur culturel qui a beaucoup écrit sur la nature des plateformes de streaming comme Spotify, et les effets de balayage qu'elles ont sur la consommation de musique, les moyens de subsistance des fabricants de musique, et au-delà. Elle identifie une tension clé entre les valeurs des plateformes de streaming et le meilleur intérêt des artistes:

«Comme point de départ, toute personne qui est artiste ou fan de musique devrait réfléchir aux moyens de diffuser et de soutenir la musique qui lui semblent les plus justes. Et pensez à la mesure dans laquelle ils sont prêts à renoncer à un peu de commodité pour contribuer à quelque chose de plus durable. Dans le même temps, il est également important de réfléchir à ce que des choses comme «équitable» et «durable» signifient, pour le streaming mais aussi au sein de la musique plus largement. »

Pour les artistes et les travailleurs de l'industrie musicale, l'équité est bien sûr une préoccupation majeure. Malheureusement, ce n'est pas le cas pour les plateformes numériques basées sur la publicité. La commodité, l'accessibilité de masse et une expérience utilisateur sans friction gagnent toujours dans leur rapport coût-bénéfice.

Alors que faisons-nous? Les musiciens et ceux qui travaillent avec eux peuvent faire des choix quant à la manière dont ils interagissent avec les plateformes de streaming et les fans. Bien qu'il y ait une tension implicite dans les objectifs concurrents d'intégrité créative et de résultat, il y a des gains globaux à réaliser en améliorant l'équité des services de streaming, et il y a un réel consensus dans l'industrie que les plateformes de streaming doivent changer afin de valoriser créateurs de musique plus fortement.

Compte tenu de ce qui précède, voici quelques conseils pour réévaluer votre relation avec les plateformes numériques.

Reconnaissez les dommages réels causés par les services de streaming.

Les répondants au sondage ont identifié de manière disproportionnée les services de streaming comme le secteur de l'industrie musicale qui a le plus besoin de changement . Le principal problème? Des services comme Spotify, Apple Music et Tidal ne rémunèrent pas les artistes de façon équitable pour leur travail créatif. En tant que plates-formes principalement axées sur la publicité, les services de streaming sont orientés vers la consommation de musique passive, ce qui entraîne des conséquences matérielles importantes pour les artistes qui travaillent, les labels indépendants et au-delà:

«Je pense que nous devons tous nous réveiller un peu en termes de streaming. Nous savons tous que c'est mauvais, nous savons tous que ce sont des entreprises technologiques, alors pourquoi les utilisons-nous encore? S'il y avait une plus grande interdiction organisée d'au moins Spotify dans toute l'industrie musicale, nos voix pourraient-elles ouvrir un nouveau chapitre et créer un avenir plus durable pour les artistes? »

«Je pense honnêtement que nous sommes tous foutus si nous dépendons des gens du monde de la technologie. Ils sont myopes et ne se soucient pas des musiciens. »

Évaluez comment vous passez du temps sur les plates-formes virtuelles et réfléchissez à ce que vous en retirez.

Soyez consciencieux sur la manière et l'endroit où vous concentrez vos efforts sur les plateformes en ligne comme Instagram, Facebook, YouTube, etc. Le burnout est réel et vous ne pouvez pas tout faire. Quelles plates-formes et services présentent les meilleures opportunités de développement? Où votre travail et votre voix sont-ils les plus appréciés? Concentrez votre temps sur des plateformes qui favorisent votre croissance et celle des artistes en qui vous croyez, et envisagez de laisser ceux qui ne le font pas.

"Le modèle publicitaire et capitaliste sur lequel beaucoup de ces plates-formes sont construites a exacerbé certains problèmes sous prétexte que tout le monde est" indépendant "ou accessible, et c'est une distorsion des mondes qui étaient auparavant centrés sur le renforcement des communautés et la suppression des barrières. . J'ai entendu des histoires d'horreur de personnes réservant des visites basées sur des chiffres en streaming, puis déçues par la participation. Votre audience n'est pas une métrique. "

Exprimez votre mécontentement et demandez à votre communauté de vous soutenir d'une manière qui compte réellement.

L'un des refrains les plus courants parmi les répondants à l'enquête était l'insatisfaction à l'égard du schéma d'évaluation des services de streaming, et pourtant, lorsque je parle à des personnes extérieures à l'industrie de la musique, peu d'entre elles ont une idée de la nocivité de ces plateformes pour ceux qui gagnent leur vie l'industrie de la musique. Soyez plus bruyant sur la façon dont ces plateformes de streaming sont gâchées, exploitantes et nuisibles. Faites savoir aux fans qu'ils ont le choix et que faire un choix un peu moins pratique (comme acheter un album sur Bandcamp) a un impact nettement positif sur la pérennité de leurs musiciens préférés.

De Liz Pelly, encore une fois:

«Beaucoup de ces entreprises comme Spotify, les sociétés de streaming, les plates-formes de médias sociaux - elles misent toutes sur le besoin des gens de commodité et de fluidité dans leur vie, et essayent de trouver des moyens de capitaliser et de profiter de cela autant que possible. Dans la musique, il est important de se rappeler que parfois, même si cela peut sembler petit pour le moment, cela signifie en fait quelque chose qui va avec l'option qui est peut-être moins pratique mais plus bénéfique pour les artistes et les communautés musicales. C'est une sorte de case à cocher. Au-delà de cela, il y a aussi plus largement le travail de demander ce qu'il ressemblerait pour repenser les systèmes économiques et les structures de pouvoir de la musique.

Étape 4: Soyez réaliste quant à la nature de cette industrie et considérez votre bien-être et vos objectifs à travers cette lentille. Définissez le succès selon vos propres termes.

La trajectoire de l'industrie musicale au cours de la dernière décennie a été un oxymore du capitalisme. Il devient en quelque sorte plus compétitif et sursaturé, car il devient moins lucratif pour le musicien moyen. Le terrain de jeu est difficile, encombré et à bien des égards alimenté par une économie de l'attention obsédée par les célébrités qui non seulement dévalue la créativité, mais laisse également les gens au bon cœur au bord du chemin.

Alors, considérez: que signifie le succès pour vous? Je vous encourage à sortir des définitions normatives du succès et à regarder plutôt d'un œil critique qui vous êtes et qui vous aimeriez être. Qu'est-ce qui vous rendrait heureux? Que vous faudrait-il pour prospérer? Qu'est-ce qui vous nourrit et pourquoi faites-vous ce travail en premier lieu?

Retirez votre stylo et votre papier et réfléchissez à ce que le succès vous réserve. En faisant cela, gardez à l'esprit les points suivants:

La musique est plus ancienne que le capitalisme.

Il y a un récit familier dans l'industrie musicale impliquant quelques gardiens mégalithiques et une armée de fourmis productrices de contenu qui luttent pour collecter les miettes qu'elles jettent. Ceci est une histoire du capitalisme, et elle est suffisamment précise. Mais ce n'est pas le seul moyen de comprendre le monde dans lequel nous travaillons et jouons.

Lorsque vous définissez vous-même le succès, envisagez une autre histoire, plus ancienne que le capitalisme. La musique est fondamentale pour l'espèce humaine. Il fleurit dans toutes les parties du monde, et depuis aussi longtemps que nous avons eu des voix et des cœurs rythmés. Les gens auront toujours besoin de musique, les gens pleureront toujours à la musique et danseront sur la musique et feront l'amour à la musique et donneront naissance à la musique et mourront à la musique. C'est essentiel, quoi qu'il arrive. Lorsque les tours d'argent s'effondreront, nous fredonnerons de nouvelles chansons du monde dans les décombres. Bien que nous existions au sein d'un système de structures de pouvoir capitalistes axées sur l'inégalité, la répartition injuste des ressources et la hiérarchie, ce n'est pas le seul système de création de sens qui règne fortement sur la planète Terre.

La prospérité est différente pour différentes personnes.

Une des raisons pour lesquelles le capitalisme est un mensonge si insidieux est qu'il nous enseigne que tout le monde devrait vouloir être riche. Mais avez-vous vu des gens riches récemment? Ils sont misérables. Les riches sont plus susceptibles d'être déprimés, plus enclins à la dépendance, coincés dans une course vide où ils ne peuvent pas arrêter de courir parce que s'ils le font, ils devront faire face au fait qu'il n'y a personne à la ligne d'arrivée. La renommée fonctionne de la même manière. Il aliène la personne célèbre de ses amis, de sa famille et de sa communauté créative, les place sur un piédestal fou dont ils tombent inévitablement lorsque l'attention se prolonge, juste à temps pour que leur ego soit totalement déformé de toute l'attention. Dans l'ensemble, la célébrité rend les gens misérables. Mais la renommée et la richesse sont les principaux critères de réussite dans l'industrie de la musique depuis aussi longtemps que je le sais. Pourquoi?

Il est important de comprendre à quoi ressemblerait le succès pour vous, selon vos conditions, non seulement parce que c'est une industrie difficile et compétitive, mais parce que vous n'avez qu'une seule vie! La musique est un moyen profond de se prélasser en un instant, de s'étirer et de se plier en secondes comme une tire. Demandez comment vous définissez et comprenez le succès, les objectifs et ce qui donne un sens à votre vie, puis écrivez votre propre histoire.

"Dans mon esprit, les musiciens doivent comprendre que leur valeur / succès n'est pas basé sur les streams et les pièces."

Stratégies de durabilité.

Aussi agréable que cela puisse être d'avoir des conversations anticapitalistes, nous devons encore gagner de l'argent pour survivre en l'an 2020 de la Terre. S'engager de manière critique et réaliste avec votre présent financier et vos objectifs financiers fait partie de la définition du succès, même si votre objectif ultime ne le fait pas. t implique un bain de diamants. Mais ce faisant, il est important de ne pas trop se laisser emporter par les attentes ou les idées des autres. Pour tant de gens de l'industrie musicale, ils ont un autre emploi qui offre un soutien financier constant. Parmi les répondants au sondage, plus des deux tiers ont déclaré qu'ils tiraient moins de 20% de leur revenu d'un travail lié à la musique. Ce que le succès signifie pour vous et comment il se rapporte à votre réalité financière, c'est votre prérogative.

Ne vous comparez pas aux autres.

Un sous-produit malheureux des médias sociaux est qu'il alimente cette industrie déjà compétitive avec une économie de l'attention qui dépend de l'insécurité et de l'anxiété pour le contenu. La pression des plateformes numériques pour les artistes et les travailleurs de l'industrie se dirige vers la similitude et des solutions universelles. Mais ce n'est tout simplement pas la façon dont la musique ou les humains fonctionnent. Nous abordons tous cette industrie à partir de perspectives radicalement différentes, d'expérience de vie, de capacités, de privilèges et (espérons-le) d'objectifs. Une fois que vous commencez à vous comparer aux autres, c'est à ce moment que vous vous retrouvez dans les idées de réussite des autres, qui peuvent ou non correspondre à la vie que vous essayez de vous forger. Prenez de la place quand vous en avez besoin, priorisez les choses qui vous font vous sentir pleinement vivant et chargé, et soyez prudent avec la pensée hiérarchique. Il y a de la place pour tout le monde, et il n'y a pas de fond dans le puits de la créativité. Les muses veulent que vous soyez pleinement vous, pas quelqu'un d'autre.

Étape 5: Allez au-delà.

Ce guide a été principalement destiné à faire le travail personnel essentiel pour aborder la future industrie musicale avec la nouvelle perspective nécessaire à la mise en œuvre du changement. Mais vraiment, faire ce travail personnel n'est qu'un début. Après avoir conçu votre code de conduite, défini le succès selon vos propres termes, rationalisé votre attention virtuelle et examiné de manière critique la façon dont vous interagissez avec votre communauté musicale, alors quoi?

Il y a tellement de choses à faire que cela peut sembler écrasant, mais vous n'avez pas à tout faire. Faites quelque chose pour vous aider. Impliquez-vous (voir ma liste ci-dessous pour les organisations de l'industrie musicale qui veulent votre aide), écrivez des pages Wikipedia pour les femmes et les musiciens POC, soutenez et aidez les collectifs locaux, encadrez des artistes ou des professionnels plus jeunes ou moins expérimentés dans votre domaine, ou participez à un Campagne militante IRL pour améliorer un problème que vous voyez. Restez à l'écoute des problèmes que vous pouvez aider à résoudre et soyez courageux et audacieux dans la façon dont vous les résolvez. Si vous ne savez pas par où commencer, voici une liste de ressources d'organisations, de collectifs et d'initiatives qui aimeraient votre aide.

Aidez à rendre les entrées musicales sur wikipedia plus diverses:

• Art + féminisme
• Femmes en rouge

Bénévole dans un programme de mentorat ou éducatif:

• Réseau des femmes de Yorkshire Sound [Royaume-Uni]
• Beats By Girlz
• Mission audio des femmes

Rejoignez un collectif:

• Voici une liste incroyable de collectifs de musique que le Dr Liz Dobson a compilés

Faites un don à ces super projets:

• Répertoire audio POC
• Girls Rock Camp Alliance
• Le cinquante et un

En outre, voici des documents de lecture et des ressources en ligne supplémentaires suggérés par les répondants au sondage. Explorez-les en vous engageant de manière critique avec la nature de l'industrie musicale!

• Comment libérer un enregistrement
• She Shreds
• Articles de Liz Pelly Baffler
• Penny Fractions par David Turner
• Répertoire EQL
• Collectifs sonores féministes
• Future Music Industry (c'est le projet de liste que j'ai commencé)
• Répertoire audio POC
• Beaucoup de femmes
• Base de données Noctuary
• Bruits roses
• Red Thunder Audio : Liste des fabricants non-Cis-Men de matériel de musique électronique
• Sound Girls
• Femmes en rouge

En résumé…

Trouvez un moyen de vous engager qui vous intéresse ou qui fait appel à vos capacités spécifiques. Faites des choses petites et focalisées localement, puis grandissez vers l'extérieur. Prenez-le un jour à la fois et faites preuve de prudence et de réflexion. Ne laissez pas cela vous arriver, pilotez votre propre bateau.

"Il y a un changement radical en cours en ce moment et c'est palpable!"

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Comment obtenir votre musique sous licence pour les films, la télévision et au-delà

Un guide pour être payé pour votre musique grâce aux licences de synchronisation, écrit par Josh Briggs avec des illustrations de Sunny Eckerle.

Prélude

Je suis Josh Briggs, directeur général de Terrorbird Media , où nous représentons plus d'une douzaine de maisons de disques et des centaines d'artistes indépendants pour les licences de synchronisation, en plus de m'occuper des droits de publication dans le monde entier pour plus de cent cinquante auteurs-compositeurs. Au quotidien, nous mettons de la musique dans tout, des films étudiants aux films de super-héros à succès, et faisons de notre mieux pour être de bons intendants de la musique qui nous est confiée.

En 2019, nous vivons non seulement «l'âge d'or de la télévision» depuis plus d'une décennie, mais vraiment l'âge d'or des médias: il y a plus de télévision, de films et de jeux vidéo de qualité qui sortent maintenant que jamais auparavant. Même les publicités en sont venues à ressembler à des courts métrages, à des sketchs humoristiques ou à des micro-blockbusters afin d'empêcher les téléspectateurs angoissés de cliquer sur «Passer l'annonce» à la première sensation d'ennui. De nos jours, il y a plus d'histoires authentiques et diversifiées que jamais et toutes les histoires authentiques nécessitent de la bonne musique. Donc, si vous êtes musicien, sachez que partout où vous entendez de la musique associée à une image animée, il y a de l'argent à gagner sous forme de licence de synchronisation.

Dans ce guide, nous allons parler de la façon dont cela est fait, comment vous pouvez vous lancer dans l'action et à quoi vous attendre en cours de route. Si vous faites de la bonne musique (ou contrôlez les droits sur la bonne musique d'autres personnes) et que vous voulez que plus de gens l'entendent, lisez la suite. Vous pouvez gagner de l'argent. Exactement «combien» vous pouvez gagner avec les licences de synchronisation est une cible mouvante, en fonction des facteurs dans lesquels nous entrerons - sachez que l'octroi de licences pour votre musique pour les synchronisations peut être une carrière en soi. (Et à tout le moins, un très joli bonus li'l.)

- Josh Briggs

Sections

Tout d'abord: comment savoir si je peux concéder une licence pour ma musique pour les synchronisations?

Qu'est-ce qu'une licence, exactement?

Partie 2: Obtenez de l'aide ou aidez-vous

Faites vos recherches et organisez

-vous J'ai donc une synchronisation, maintenant quoi?

Je n'ai pas encore de synchronisation, mais j'aimerais

En résumé ...

Pour en savoir plus

Guider

24 octobre 2019

Partie de:

Gérer une entreprise

Gagner sa vie

Enquête sur l'industrie de la musique

 

Tout d'abord: comment savoir si je peux concéder une licence pour ma musique pour les synchronisations?

Dans cette pièce, je me concentre spécifiquement sur l'octroi de licences pour votre musique, ce qui signifie que nous allons laisser la composition, les œuvres pour la location et les moindres détails de la publication et du droit d'auteur pour un autre jour. Il s'agit vraiment de monter une cheville carrée dans un trou rond: éditer votre musique enregistrée préexistante en image.

Pour commencer, vous devez savoir ce que vous contrôlez.

Chaque fois que vous écrivez une chanson et que vous l'enregistrez, deux droits d'auteur naissent:

1. Les paroles et la mélodie qui composent la chanson, c'est-à-dire la composition, qui est la partie que vous pouvez souscrire à un éditeur.
2. L'enregistrement de cette composition, c'est-à-dire l '«enregistrement sonore» ou master, qui est la partie que vous pouvez signer sur une maison de disques.

Si une émission de télévision veut mettre votre chanson dans un épisode, elle doit obtenir une licence à la fois pour la composition et le master. Même si vous possédez les deux, ils doivent les concéder sous licence séparément et vous payer les droits de chacun. Donc…

Qu'est-ce qu'une licence, exactement?

Une licence est un octroi limité de certains droits permettant à quelqu'un d'autre d'utiliser quelque chose que vous possédez - dans ce cas, une chanson.

La très grande majorité des licences (parfois appelées «emplacements» ou simplement «synchronisations») sont limitées et «non exclusives». Cela signifie que vous pouvez concéder sous licence la même chanson à une chose différente, souvent simultanément. Alors, lorsque vous envisagez de concéder sous licence votre musique à quelqu'un d'autre, que devriez-vous considérer?

Une licence peut être décomposée en 6 points essentiels, tous techniquement négociables:

1. Médias:Quels types de différents points de vente seront autorisés à diffuser cette chose? LA TÉLÉ? Salles de cinéma? Festivals de cinéma uniquement? L'Internet? Tous les médias maintenant connus ou conçus par la suite? En règle générale, les émissions de télévision demanderont «tous les médias, à l'exception du théâtre». Avec les films en studio, ce sera probablement «tous les médias, y compris les publicités et les bandes annonces contextuelles», ce qui signifie qu'ils peuvent utiliser le clip du film mettant en vedette votre chanson dans la publicité sans payer plus. Encore une fois, c'est typique. Ce que vous voulez surveiller, ce sont les demandes «hors contexte», ce qui signifie qu'elles pourraient utiliser votre chanson sur d'autres scènes d'une bande-annonce. C'est une utilisation complètement différente, donc ça va. Avec les films indépendants, ils peuvent essayer pour tous les médias, mais s'ils n'ont pas de distribution sécurisée pour leur film, essayez de limiter leur utilisation de votre chanson, disons, aux festivals de films uniquement.
2. Durée: combien de temps durera cette licence? Une année? Cinq ans? À perpétuité? La plupart des licences de télévision, de films et de jeux sont «à perpétuité». Cela signifie pour toujours. Donc, même si ce qui semble être un petit film devient le prochain Get Out , ou si votre chanson li'l frappe # 1 sur Billboard, ils n'auront jamais besoin de revenir pour vous payer plus d'argent. Lors de l'octroi de licences à des films indépendants, si vous êtes en mesure de limiter les médias, limitez également la durée (par exemple: festivals de films uniquement, un an). Sachez également que les annonces peuvent être diffusées sur une seule journée (pensez au Super Bowl) ou sur un an. Les augmentations types que nous avons tendance à utiliser dans les contrats de licence sont de trois mois, six mois ou un an. S'ils demandent plus que cela, les sourcils devraient augmenter.
3. Territoire: où pourront-ils diffuser votre chanson aux côtés de leur contenu? Aux États-Unis uniquement? La zone des trois États? À l'échelle mondiale? À ce stade, les annonces / promotions / bandes-annonces sont les seules choses qui ne demandent pas toujours des droits mondiaux. S'ils le font, il est important de demander si le territoire s'appliquera à tous les droits médias qu'ils ont demandés (c'est-à-dire "Je vois que vous recherchez la diffusion et Internet. Cette annonce sera-t-elle diffusée dans le monde entier, ou est" le monde " juste pour couvrir les utilisations d'Internet? »). Il est normal de limiter les choses pour plus de clarté.
4. Exclusivité: la plupart des accords de licence indiquent clairement dans le préambule que vous accordez des droits sur une base non exclusive. Vous ne cédez pas le droit d'auteur (c'est-à-dire la propriété) à une société de production. Donc, si quelqu'un parle d '«exclusivité» dans un accord, ce sera généralement dans la publicité et fait référence à votre capacité à concéder sous licence la même chanson à une autre annonce pendant la durée du terme. Si tel est le cas, demandez-vous si vous souhaitez leur donner une «exclusivité totale» ou si vous préférez limiter leur exclusivité à une certaine catégorie de produits (c'est-à-dire qu'ils seront la seule boisson alcoolisée à utiliser votre chanson dans une annonce, mais une entreprise automobile pourrait toujours l'utiliser dans le même terme, etc.).
5. Frais:Compte tenu de tous les points ci-dessus, combien vous paient-ils? Nous faisons souvent référence aux droits d'auteur sous licence comme «côtés», c'est-à-dire l'enregistrement maître d'un côté et l'édition (la composition) de l'autre. Lorsque vous parlez des deux «côtés» ensemble, cela s'appelle les frais «tout compris». Par exemple: une série Netflix vous cite 5 000 $ «tout compris» pour octroyer une licence pour votre chanson dans «tous les médias, à l'exception du théâtre; dans le monde, à perpétuité. " Si vous possédez le maître et que vous possédez vos droits de publication, vous conservez tous les 5 000 $. Si vous êtes signé sur une maison de disques et qu'ils possèdent le master sous licence, ces frais «tout compris» doivent être répartis. En règle générale, des frais «tout compris» sont répartis également entre le côté maître et le côté publication. Donc, 5 000 $ «tout compris» serait désormais 2 500 $ pour votre label et 2 500 $ pour vous en tant qu'éditeur. Gardez également à l'esprit que ces frais sont généralement écrits «sur la base d'une propriété à 100%» Donc, si vous avez un co-auteur sur cette chanson qui a un crédit de 50%, 1 250 $ de ce "côté" de l'édition leur appartient. Si cela n'est jamais clair, c'est toujours une bonne idée de simplement demander si les frais indiqués sont «par côté» ou «tout compris». Lorsque vous essayez de comprendre combien vous serez payé, la clarté et la communication sont toujours vos amis, alors n'ayez pas peur de demander comment tout se déroulera.
6. Y a-t-il une partie de ce «NPF?MFN est l'abréviation de «Nations les plus favorisées», un terme qui revient souvent dans les contrats de musique. Dans les licences de synchronisation, si vous "citez MFN", cela signifie essentiellement que si un autre artiste obtient une meilleure offre que vous dans le même film / épisode / jeu vidéo (peut-être une durée plus courte, des territoires plus limités ou des frais plus élevés), vous obtiendrez le même contrat qu'eux. C'est très rare dans la télévision épisodique, mais est particulièrement utile lors de la navigation sous licence vers des films indépendants. Lorsque vous négociez les conditions d'une licence, demandez si «toutes les chansons du film sont NPF». De cette façon, s'ils vous disent qu'ils ne peuvent vous payer que 250 $, vous pouvez être sûr qu'ils n'ont vraiment que 250 $. MFN peut également s'appliquer à une seule chanson: si vous accordez une licence à votre version de reprise d'une chanson célèbre, essayez de citer «MFN avec l'éditeur» et voyez si le titulaire de licence y consent. Si c'est le cas, vous serez payé de la même manière que celui qui détient les droits sur la célèbre chanson. (Ce n'est pas toujours possible, mais ça vaut le coup d'essayer! Peut-être que votre vision industrielle et envoûtante de "Walking on Sunshine" est tout aussi précieuse pour cette bande-annonce de super-héros que la composition elle-même. Vous ne saurez pas si vous ne demandez pas !)

Maintenant que vous savez ce qu'il en est pour vous, il est temps de choisir votre propre aventure: allez-vous seul et essayez de susciter vous-même votre intérêt pour votre musique? Ou demandez-vous l'aide d'un label, d'un éditeur ou d'un agent de licence tiers (comme Terrorbird, celui pour lequel je travaille, mais sachez qu'il existe d'innombrables autres)?

Obtenez de l'aide ou aidez-vous

La supervision de la musique - c'est-à-dire les personnes dont le travail consiste à trouver et à effacer la bonne musique pour les films, les publicités, etc. - est un monde de gardiens. Ce n'est pas (habituellement) de l'ego, c'est simplement leur travail. Ils ne font pas de mixtapes pour leurs films préférés, ils gèrent un budget et soupesent les besoins / caprices / désirs d'un client / producteur / réalisateur par rapport aux besoins / caprices / désirs de chaque label / éditeur / artiste / manager , et enfin, contre leur propre contribution créative. Donc, même dans le meilleur des cas, il y a beaucoup de voix et d'opinions à naviguer. Décidez si vous voulez vous aventurer à travers ce paysage seul ou si vous voulez de l'aide.

Diffuser votre musique sans aide est difficile. Mais c'est possible. Les superviseurs musicaux ont tendance à être parmi les plus grands fans de musique au monde, donc si votre musique est là-bas et gagne en reconnaissance par elle-même, ils savent peut-être déjà qui vous êtes. En outre, il existe de nombreuses ressources en ligne fiables que vous pouvez utiliser pour obtenir les informations de contact des gens ( IMDbPro , Songwriter Universe, les sites Web des superviseurs de la musique, même LinkedIn ou Facebook). Cependant, tous les superviseurs de la musique n'accepteront pas ou ne répondront pas aux «soumissions non sollicitées». Cela signifie que si le superviseur de la musique ne vous a pas demandé votre musique, ou s'il ne vous a pas envoyé un e-mail directement disant: «Nous recherchons des chansons que vous avez sur les invasions extraterrestres», il peut simplement supprimer votre e-mail si vous en envoyez un. Directement. Ou ignorez-le. Certains superviseurs musicaux reçoivent littéralement un millier d'e-mails chaque jour, ce qui signifie qu'ils ne pourraient pas faire leur travail s'ils leur répondaient tous. Alors, tout simplement pas.

Si vous ne parvenez à attirer l'attention ou l' oreille d'un superviseur de la musique, soyez doux. Demandez si vous pouvez soumettre de la musique pour leur projet. Demandez-leur s'ils ont des directives spécifiques pour le faire. Suivez ces lignes directrices à la lettre, et ne suivez pas à moins qu'ils ne vous le demandent. Si vous décrochez quelque chose de cette façon, sans l'aide d'un agent de licence tiers, alors félicitations - vous avez cloué quelque chose que beaucoup d'autres ne parviennent pas à comprendre par eux-mêmes, et maintenant vous pouvez garder tout l'argent.

Si vous souhaitez obtenir de l'aide, les agences de licence tierces comme Terrorbird sont d'excellents endroits pour commencer. Pour en trouver un qui vous convient, demandez à vos collègues artistes qui les utilisent ou consultez les sites Web de vos artistes préférés pour trouver des suggestions (recherchez «contact de licence de synchronisation»). Ensuite, allez explorer les sites Web de ces agences pour voir si votre musique pourrait convenir, ou si vous reconnaissez quelqu'un sur leur liste, ou l'un de leurs placements récents. Bien que tous les agents de licence tiers aient besoin d'une variété de musique pour couvrir leurs bases de manière créative, ils ont souvent un certain genre ou créneau dans lequel ils se spécialisent (rock indépendant, électronique, catalogues vintage, etc.). Ils doivent également être pointilleux sur ce qu'ils entreprennent pour assurer qu'ils servent efficacement leurs clients. Chez Terrorbird, notre ressource préférée pour les références sont nos propres clients.

En plus de nos propres efforts A&R (rechercher de nouveaux artistes, aller à des spectacles, etc.), nous recevons des sollicitations quotidiennes de contacts de l'industrie, des soumissions aveugles par e-mail (celles-ci ont tendance à être supprimées; lisez la suite pour savoir pourquoi), et par notre site Web (oui, nous le faisonsprendre les soumissions de cette façon). Quelle que soit la façon dont nous obtenons la musique, c'est la musique qui compte le plus dans notre processus décisionnel. La musique doit être bien produite (cela peut toujours signifier du rock garage brouillé ou de la pop super slick - elle devrait juste être appropriée pour le genre, et ne pas sonner comme vous l'avez fait tout dans GarageBand), et avoir une sorte de «crochet» . " Ce crochet peut être lyrique (chansons avec de grands chœurs, mettant en vedette des thèmes lyriques universels mais originaux), ou musicales (trucs excentriques, percussifs ou vocaux non anglais par exemple). Peut-être que cela sonne bien ou remplit un trou dans notre catalogue. D'une manière ou d'une autre, il doit être mémorable pour que vous vous démarquiez du reste de notre liste.

Si vous avez trouvé une agence de licence tierce pour présenter votre musique aux superviseurs, félicitations! Maintenant, vous n'avez plus besoin de comprendre comment redline les accords de licence ou poursuivre les paiements par vous-même. Vous bénéficiez également de leurs relations, de leur vue d'ensemble de l'industrie et (si Dieu le veut) de leur enthousiasme pour votre musique. Votre représentant peut même vous donner des conseils sur vos démos, vous donner des mémoires ou des invites lyriques pour écrire des chansons, ou vous aider à trouver d'autres membres de l'équipe (managers ou labels avec lesquels travailler, par exemple). Ils peuvent être votre tampon émotionnel avec les superviseurs de la musique et vous donner plus d'accès que vous ne pouvez en obtenir par vous-même. Pour ce service, la plupart des agents de licence tiers prélèvent une commission sur tous les accords de licence (généralement de 20 à 30%, selon; notez qu'elle ne doit jamais dépasser 50%).

Avant de conclure un accord avec un agent de licence tiers, lisez attentivement le contrat qu'il vous envoie. Posez des questions et consultez un avocat extérieur si vous avez besoin d'aide pour comprendre les choses. Comme pour tout, c'est à vous de savoir ce que vous signez.

Faites vos recherches et organisez-vous

Que vous choisissiez de faire cavalier seul ou de demander l'aide d'un agent de licence tiers, vous devrez être extrêmement organisé. En effet, quoi qu'il en soit, vos fichiers et métadonnées seront envoyés à un superviseur musical, à un éditeur musical, à un producteur, à un showrunner, à un réalisateur, à un stagiaire ou à celui qui placera finalement votre musique, que ce soit dans une image Disney ou dans l'élève de votre ami. film. Et rappelez-vous, ils (comme vous) sont très occupés, et ils (comme vous) veulent aussi faire quelque chose de grand. Les aider à faire leur travail correctement et efficacement vous aidera à obtenir plus de licences.

Fais tes recherches

Tout d'abord, il est bon d'avoir une configuration du terrain. Heureusement, cela signifie regarder plus de films (en cours), se lancer dans certaines émissions #hot #new, et pendant que vous regardez, faire très attention aux morceaux et qui les a mis là. Gardez votre téléphone à portée de main et si vous entendez quelque chose que vous aimez, recherchez-le. Consultez les ressources en ligne comme TuneFind (film / TV), iSpot.tv (publicités) et IMDb(noms des superviseurs musicaux). Faites attention à la façon dont la musique est utilisée et aux morceaux qui sont «soulignés» (réalisés spécifiquement pour le film / l'annonce / quoi que ce soit par un compositeur) par rapport à ce qui est sous licence. Pendant que vous faites cela, demandez-vous: «Où ma musique s'intégrerait-elle?» Cela vous donnera une idée réaliste de la probabilité que votre musique soit autorisée pour quelque chose de similaire, ainsi que des projets, des créateurs et des superviseurs musicaux qui méritent d'être ciblés.

S'organiser

Pendant ce temps, mettez vos fichiers en ordre. Notez que tout ce que vous envoyez à votre agent tiers ou à un superviseur musical doit être un enregistrement fini et maîtrisé par des professionnels. Très peu de superviseurs musicaux s'intéressent aux démos brutes ou aux «idées» de chansons.

Dans cet esprit, ** voici tout ce que Terrorbird demande à un nouveau client ou à une nouvelle version. Idéalement, nous recevons tous les éléments ci-dessous au moins un mois avant sa date de sortie:

• Audio haute résolution maîtrisé. Nous avons besoin d'audio haute résolution, pas de MP3 (nous ferons le nôtre) ou de liens de streaming. C'est parce que l'audio haute résolution est ce dont les productions ont besoin pour garantir une qualité suffisamment élevée pour la diffusion. Nous demandons spécifiquement des fichiers AIFF , car contrairement aux fichiers WAV, un AIFF conserve les métadonnées. Cela signifie que si nous partageons votre fichier avec quelqu'un d'autre, lorsqu'ils l'ouvriront sur iTunes, ils verront plus qu'une simple chanson appelée «nom de fichier» - ils verront également le nom de votre artiste et, plus important encore, nos coordonnées afin qu'ils savoir comment le concéder sous licence.
• Instrumentaux et mixages alternatifs. Les instrumentaux sont cruciaux dans les licences de synchronisation. Faites-les imprimer et maîtriser lorsque vous obtenez votre dossier maîtrisé. De cette façon, ils résistent à d'autres instrumentaux maîtrisés dans un pitch. Cela donne également à un superviseur de la musique une meilleure chance de coller votre version vocale s'il doit couper votre voix pendant que les personnages parlent. Si vous avez enregistré en direct et qu'il y a un saignement vocal dans l'instrument, cela ne sera probablement pas utile. Donc, lors de l'enregistrement, superposez les voix chaque fois que possible. Si les instrumentaux ne sont pas - et ne peuvent pas être - disponibles, dites-le. De plus, si vous jurez dans une chanson, pensez à faire une version propre.
• Paroles de chanson. Parfois, la recherche d'une chanson parfaite par un superviseur musical est spécifique aux paroles. Si nous ne pouvons pas dire ce que vous dites, ou ne pouvez pas rechercher des paroles pertinentes pour trouver vos chansons sur l'anxiété ou les voyages en voiture, vous allez manquer. Même chose si nous ne pouvons pas dire si vous dites un mauvais mot. Assurez-vous donc d'avoir des fichiers contenant des paroles pour chaque chanson que vous rendez disponible. Un document Word, Google doc, PDF ou tout autre type de fichier universel convient.
• Qui contrôle quoi? Informations sur le label et auteur / éditeur «divise».Il s'agit d'informations essentielles pour la licence d'une chanson. Comme je l'ai mentionné plus tôt, si vous avez écrit la chanson (et qu'elle ne contient aucun échantillon ou morceau de musique d'autres peuples) et que vous n'avez pas signé de label, vous êtes le fier propriétaire de vos propres compositions et enregistrements. C'est une excellente nouvelle pour l'octroi de licences, car vous aurez le moins de parties possibles impliquées pour effacer une chanson. Une telle chose est habilement appelée un «guichet unique». Si vous avez des co-auteurs sur une chanson et si l'un d'entre vous a signé un accord de publication ou a un accord avec un autre agent de synchronisation tiers, assurez-vous de le divulguer. Tout le monde avec un crédit pour l'écriture de chansons, quel que soit le pourcentage de propriété, a son mot à dire quant à savoir si une chanson peut être synchronisée ou non. Si un label ou un distributeur a des droits de synchronisation dans le cadre de votre accord avec eux, notez-le également. (Remarque: les co-auteurs sont différents de leurs coéquipiers. Les camarades de groupe peuvent être co-auteurs, mais c'est une conversation que vous devriez avoir avec votre groupe avant que l'argent ne soit sur la table. Voir «Lectures complémentaires».)
• Divulguer tous les échantillons, reprises de chansons, etc.Dites-le avec moi: "Il n'y a pas de cacher un échantillon." Peu importe à quel point il est petit, obscur, haché et / ou vissé - si quelqu'un d'autre peut posséder une partie de votre composition ou de votre master, vous devez le faire savoir. Si vous pouvez faire votre musique sans échantillons, faites-le. Si vous ne divulguez pas d'échantillon et continuez à octroyer une licence pour cette chanson, vous commettez une violation du droit d'auteur et pouvez être poursuivi par les propriétaires légitimes du droit d'auteur. Ils peuvent également poursuivre à peu près n'importe qui impliqué dans la licence (un superviseur musical, une société de production, un studio, etc.), pour chaque cas d'infraction. Les échantillons sont parfaits pour les soirées PR, SoundCloud et DJ, mais ne les laissez pas dans les chansons que vous proposez pour les opportunités de licence. D'un autre côté, si vous enregistrez votre propre version de «Wicked Game», ça va! Appelez-le simplement comme une couverture de Chris Isaak lorsque vous le partagez.
• Où avez-vous fait votre disque? Et qui l'a fait?La réponse à cela a plus à voir avec les superviseurs musicaux essayant de naviguer dans les règles du syndicat afin d'économiser leur budget que le studio que vous avez utilisé. Parfois, il est nécessaire pour un certain projet (principalement des publicités) de n'autoriser que la musique enregistrée en dehors des États-Unis et / ou interprétée / enregistrée par des musiciens non syndiqués (chanteurs SAG-AFTRA / joueurs AFM). Il est bon de demander aux gens avec qui vous avez fait votre dossier s'ils font partie d'un syndicat, et bon de le noter dans vos métadonnées. Vous pouvez le dire aussi simplement que «Enregistré ex-US» et «non-union». Si quelqu'un qui a aidé à faire votre dossier est membre d'un syndicat, divulguez-le également! C'est loin d'être un dealbreaker pour la plupart des projets. Séparément, il peut être utile de savoir où vous vous trouvez géographiquement, ou de toutes les villes, régions ou pays auxquels vous êtes associé. Parfois, il y a des projets qui recherchent spécifiquement des artistes de la région où se déroule leur histoire. D'autres fois, ils veulent un artiste devant la caméra qui peut faire en sorte de fixer un horaire flexible sans encourir de frais de voyage (c.-à-d. Même si le film se déroule à Los Angeles, ils tournent à Atlanta, donc ils veulent un Atlanta- artiste de la région qui pourrait conduire pour prendre facilement).
• Quelle est ton histoire? Obtenez une bio ensemble! C'est une bonne idée de faire une «feuille unique» ou un communiqué de presse lorsque vous avez un nouvel enregistrement, ainsi qu'une biographie sur votre site Web, mais vous pouvez également partager régulièrement des «mises à jour marketing» avec votre agent de licence (sauf si et jusqu'à ce que quelqu'un vous dise le contraire). Envoyez-leur des choses comme de nouvelles photos de presse, des critiques positives, des retweets de célébrités faisant l'éloge de votre musique, des statistiques DSP impressionnantes («nous avons été ajoutés à Chill Vibez Mondaze! Il compte 90 millions d'abonnés!»), Les dates des tournées à venir et tout ce qui peut vous garder sur le radar de votre agent de synchronisation.
• Le feront-ils ou non? Réfléchissez aux types d'utilisations qui vous conviennent. Si vous ne voulez jamais que votre musique soit associée à des publicités, ou à certaines marques en particulier, ou si vous ne voulez pas être utilisée dans des scènes impliquant la consommation de drogues, ou toute autre chose qui vous intéresse, soyez clair à ce sujet. Bien que votre accord avec votre agent vous accorde probablement des droits d'approbation sur chaque synchronisation, vous ne voulez pas être mis dans la position délicate de refuser une licence que quelqu'un vous a présentée de bonne foi, pensant que vous en seriez d'accord. Et si vous êtes enthousiasmé par quelque chose de précis («Je veux ma musique à Riverdale !»), Ou catégoriquement («J'adore les films d'horreur!»), Faites-le-nous savoir.

Pensez à chacune de ces choses comme ne couvrant pas seulement vos bases, mais donnant à votre représentant plus de flèches dans leur carquois (pour bien mélanger les métaphores). Si vous avez un album de 10 chansons, nous avons 10 chansons à lancer. Si vous nous donnez des instrumentaux, nous en avons maintenant 20. Si vous incluez des paroles afin que nous puissions facilement trouver des chansons pertinentes pour notre recherche, ou sachez qu'elles sont conformes à la FCC (cela signifie pas de jurons ou de références aux fluides corporels), c'est comme si nous avions 30.

J'ai donc eu une synchronisation, maintenant quoi?

Eh bien, merde. C'est une super nouvelle! Vous avez battu toutes les chansons qui ont été enregistrées depuis le cylindre de cire d'Edison, ainsi que tout ce qu'un compositeur était prêt à créer pour ce morceau particulier de biens audiovisuels. C'est génial.

Et, vous avez probablement au moins payé votre loyer avec tout ce que vous en avez retiré. Vous avez peut-être même versé un acompte. S'il s'agissait d'une synchronisation télévisée ou cinématographique, et si vous êtes membre d'une organisation de droits d'exécution (un «PRO» en abrégé; c'est ASCAP, BMI, GMR, SESAC, aux États-Unis - vérifiez vos listes locales ailleurs), vous J'obtiendrai des redevances de performance chaque fois que la chose avec votre chanson sera diffusée à la télévision ou diffusée dans le monde entier pendant la durée de vos droits d'auteur (ici aux États-Unis, cela signifie pendant 70 ans après votre mort). Assurez-vous donc de rejoindre un PRO, d'enregistrer vos chansons avec eux et de garder vos coordonnées à jour avec eux afin qu'ils sachent où envoyer ces chèques de redevances.

Si la scène pour laquelle votre musique a été autorisée devient cruciale et que le spectacle ou le film devient populaire, vous pourriez avoir des gens qui recherchent et achètent ou diffusent votre enregistrement, achètent des billets pour des spectacles, etc. Si vous pensez qu'il y a une chance que cela se produise, assurez-vous d'être configuré pour obtenir tous ces revenus auxiliaires: en plus de rejoindre un PRO, vous voudrez peut-être rechercher un accord de publication, vous inscrire à SoundExchange , etc. Voir «Lectures complémentaires» au bas de ce guide pour en savoir plus. Si vous êtes déjà signé avec un distributeur, un label ou un éditeur, relisez votre contrat.

À titre d'exemple de ce qui peut arriver après avoir obtenu une synchronisation, le groupe Lord Huron a obtenu un disque de platine pour leur chanson «The Night We Met», basée presque entièrement sur une série de quelques synchronisations clés, notamment dans la série Netflix 13 Reasons. Pourquoi . C'est plus qu'un accomplissement cool - c'est aussi beaucoup d'argent pour eux.

Je n'ai pas encore de synchronisation, mais j'aimerais

En lisant ce guide, comment pouvez-vous commencer à vous préparer à mettre tout cela en action?

Voici une liste de contrôle par où commencer:

1. Gardez tous vos actifs à portée de main («dans le cloud»), de sorte que vous ne soyez pas pris sans avoir accès à vos fichiers musicaux lorsque quelqu'un a besoin de quelque chose sur une période de temps. Lors du partage, utilisez des liens traçables et non expirants. Nous aimons le service Disco . Il devient rapidement la norme de l'industrie et est abordable pour les artistes indépendants. Mais Box, Dropbox, Google Drive et d'autres fonctionnent également très bien.
2. Rêver. Faites une liste des projets dans lesquels vous souhaitez entendre votre musique (il peut s'agir d'émissions spécifiques, de créateurs, de genres, de marques que vous fréquentez, d'histoires auxquelles vous vous identifiez) et partagez-la avec votre représentant, ou agissez directement si vous êtes vous représenter.
3. Faites preuve de patience. La synchronisation peut prendre du temps. Vous pourriez livrer un album le 1er juin et votre représentant pourrait le présenter ce jour-là à une série Netflix de 13 épisodes qui ne sortira qu'en janvier. Le superviseur musical pourrait trouver une place pour cela dans l'épisode 8 en octobre, finaliser ce mélange d'épisodes en décembre, et cela pourrait ne pas confirmer avant janvier - la semaine où la série entière devrait tomber. À partir de ce moment, il est réaliste que la production n'envoie pas de paiement pendant plus de 90 jours après la date de diffusion initiale, et à partir de là, vous seriez payé par votre représentant en fonction de son calendrier contractuel avec vous. Tout à coup, c'est de nouveau en juin, et un an plus tard, vous avez un chèque de 8 000 $.
4. Tendez la main (de manière appropriée). Vous n'avez pas eu de nouvelles de votre représentant ou de vos contacts depuis un moment? Laissez tomber une ligne! Partagez vos propres mises à jour, demandez les leurs. Avez-vous fait de la nouvelle musique? Été sur la route? Travaillent-ils sur de nouveaux projets? Ont-ils des besoins de licence spécifiques et immédiats auxquels vous pouvez répondre? Ont-ils présenté vos affaires?
5. Restez fidèle à votre voix. Vous pouvez vous inspirer et vous inspirer de ce que vous voyez sous licence, mais ne poursuivez pas les tendances. N'oubliez pas: les émissions sont annulées, mais les enregistrements sont éternels. Vous pouvez créer de la musique en pensant à la synchronisation, mais n'écrivez pas pour la synchronisation. Vous êtes les bienvenus et encouragés à écrire des chansons accrocheuses sur des thèmes lyriques préférés éternels - comme le retour à la maison, l'amour non romantique, les nouveaux débuts, la magie, les chasseurs et les chassés et la liberté - mais faites-le comme vous , pas quelqu'un d'autre. Faites de la musique que vous êtes à l'aise de faire. Sinon, il se présente comme ce qu'il est: une saisie d'argent inauthentique.

Bien qu'il soit facile de dire que vous avez réussi si vous effectuez des synchronisations, il est important de garder à l'esprit qu'il existe d'autres façons de savoir si vous vous déplacez dans la bonne direction. Vous devriez avoir le sentiment que vous êtes sur la bonne voie d'après les commentaires que vous recevez, alors utilisez ce qui suit pour juger comment vos approches atterrissent:

• Si vous vous représentez et lancez votre propre musique: les superviseurs musicaux avec lesquels vous contactez demandent-ils plus de musique que ce que vous aviez initialement partagé? Vous demandent-ils si vous approuvez potentiellement certaines conditions spécifiques (une scène spécifique, une fourchette de frais, etc.)? Vous demandent-ils de faire une démo de musique originale pour leurs projets? Se présentent-ils à vos spectacles?
• Si vous avez un représentant: votre représentant vous communique-t-il les mêmes choses? Présentent-ils vos affaires (et les présentent-ils de manière appropriée)? C'est bon de demander ce qu'ils ont fait!

Si ce qui précède se produit, vous vous en sortez bien. Bien que nous obtenions parfois une synchronisation quelques jours après avoir travaillé avec un nouveau client, il peut souvent s'écouler un an ou plus avant que tout commence à se mettre en place et que nous commencions à effectuer des synchronisations.

En résumé…

Si vous avez lu jusqu'ici, vous faites probablement de la musique depuis un certain temps maintenant, avec plus ou moins de succès. Et vous vous demandez peut-être s'il y a une place pour votre musique dans le monde des synchronisations. Quel que soit le genre, si vous êtes un artiste indépendant, il y a de fortes chances que vous créiez une musique en avance sur la courbe ou que vous soyez entièrement en voyage. Malheureusement, même dans ce grand sommet de tout # contenu, la culture populaire peut mettre un certain temps à rattraper son retard. N'oubliez pas: un manque de synchronisation n'est pas un réquisitoire contre votre art, et aucune chanson n'est votre dernière chanson. Continuez à avancer et ils vous trouveront éventuellement.

Sachez également que pour quelque raison cosmique que ce soit, les synchronisations semblent engendrer davantage de synchronisations. Bien que le premier puisse être difficile, il est rare que ce premier soit le dernier. Alors, faites de votre mieux pour vous démarquer, être entendu et, espérons-le, gagner de l'argent pendant que vous le faites.

Lectures complémentaires

• Le guide clair et simple de l'édition musicale par Randall Wixen
• Penser en synchronisation: une introduction à l'esprit d'un superviseur musical par Amanda Krieg Thomas
• Tout ce que vous devez savoir sur l'industrie musicale par Donald S. Passman

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A propos de l'auteur ->

René Kladzyk

Musicien, écrivain, parfumeur, géographe culturel

René Kladzyk est un musicien, écrivain, parfumeur et géographe culturel qui se produit sous le surnom de Ziemba . Puisant dans un contexte étudiant la géographie féministe et les frontières américaines / mexicaines (René est originaire d'El Paso, TX), son travail interroge fréquemment l'identité, la culture et les questions éthiques dans les arts du spectacle. La musique de René a été jouée dans des lieux tels que le MoMA Ps1, Pioneer Works, National Sawdust et a figuré dans des publications telles que Vogue, The Fader, Art in America, Bandcamp Daily, iD et V Magazine . Son écriture a été publiée dans Teen Vogue, iD, Listen to This , et plus encore. Son dernier album complet, ARDIS, a été publié au printemps et à l'été 2019 et fonctionne comme une série de portails dans une aventure de science-fiction parfumée et un monde parallèle. René co-dirige également Xoir , un collectif vocal expérimental, aux côtés de l'artiste / musicien berlinois Colin Self . René était un créateur Kickstarter en résidence à l'automne 2019.

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Comment raconter l'histoire de votre travail créatif

Un guide pour découvrir la meilleure histoire que vous pouvez raconter à la presse, aux bailleurs de fonds, aux followers et à tout le monde, écrit par Katheryn Thayer avec des illustrations de Carlos Sanchez.

Prélude

J'ai passé la majeure partie de ma carrière à écrire des profils de créatifs, auparavant chez Forbes et maintenant sur Kickstarter Magazine , Artsy et Core77 . Tout au long de mon travail, j'ai vu à quel point la construction d'une bonne histoire est puissante. Cela peut changer le cours des carrières créatives, de la conquête d'un public à l'ouverture d'opportunités.

Tout se résume à savoir comment capter l'attention. Lorsque vous ne fournissez pas suffisamment d'informations (déclarations vagues de l'artiste, réponses anémiques aux entretiens), les gens n'ont pas assez d'hameçon pour s'intéresser. Lorsque vous en dites trop, vous maximisez les périodes d'attention limitées. Surtout dans notre paysage médiatique numérique accéléré, abruti et à volume élevé «perturbé», l'attention est rare.

Donc, que vous écriviez un article, répondiez à des questions d'entrevue ou planifiez la page «À propos» de votre site Web, vous devez communiquer en utilisant des idées claires et accrocheuses qui se réunissent pour former une histoire concise et convaincante. Dans ce guide (malheureusement long), j'espère vous aider à vous voir comme un journaliste et, si vous le souhaitez, écrivez sur vous de manière objective et divertissante.

- Écrivain et stratège numérique Katheryn Thayer

Sections

Le journalisme comme exercice d'empathie

Ayez un objectif en tête

Obtenez quelques idées sur papier

Modifiez impitoyablement et mettez d'abord les parties les plus importantes

Clouez votre ouverture et clarifiez votre point principal

Développez vos idées, mais gardez-le facile à lire

Comment vérifiez que vous avez bien fait cette chose

Assurez-vous que les gens le voient réellement

Guider:

Art ,

Partager votre travail

Partie de:

Diffuser votre travail

Créer vos propres opportunités

Publié par le personnel

 

Le journalisme comme exercice d'empathie

Les bons journalistes pensent en termes de conception d'informations empathiques. Ils se mettent à la place de leurs lecteurs et réfléchissent au type d'histoires qui attirera leur attention. Ils mènent avec une proposition de valeur - pourquoi le lecteur devrait-il s'en soucier? -Et ensuite les guider avec grâce à travers une histoire cohérente.

Pour ce faire, posez des questions comme:

• Pourquoi quelqu'un voudrait-il savoir ce que je fais / fais?
• Comment mon histoire se connecte-t-elle à des conversations culturelles plus larges qui intéressent les gens?
• Quels éléments pourraient éveiller la curiosité? Qu'est-ce qui est surprenant ou excitant?
• Quels exemples spécifiques ou comparaisons familières peuvent clarifier mon propos?
• Qu'est-ce qui a besoin de plus d'explications?

La narration empathique et stratégique est ce qui rend de nouveaux actes musicaux dignes d'un profil new-yorkais ; c'est ainsi que Glitch transmet l'étendue des possibilités sur sa plateforme de codage créative; c'est ainsi que des inventeurs peu connus comme Edwin Van Ruymbeke et des créateurs bien connus comme Rihanna construisent et maintiennent leur pertinence.

Dans toutes ces histoires liées ci-dessus, quelqu'un fait la réflexion critique pour démêler les éléments les plus pertinents pour créer une histoire. Dans chacun d'eux, il y a une idée de base passionnante et intéressante qui est facile à résumer - et beaucoup de fils d'histoire laissés sur le plancher de la salle de coupe afin de vraiment concentrer la pièce. En tant que personne créative, vous pouvez (et devez) apprendre à faire ce genre de montage par vous-même.

Ayez un objectif en tête

Bien sûr, vous ne pouvez pas penser uniquement à ce qui excitera vos lecteurs - vous devez également vous assurer que vos efforts de narration correspondent à vos objectifs.

Si vous voulez que les lecteurs de musique écoutent votre nouvel album, ne racontez pas une histoire commerciale; si vous voulez montrer que votre invention est unique, ne parlez pas en marketing générique qui passe sous silence les détails techniques. Faites correspondre votre objectif à votre histoire.

Voici quelques exemples d'objectifs et de tactiques de narration:

• Objectif: garder les fans engagés tout en préparant un lancement de projet plus important.
• Tactiques: Peut - être que tout ce dont vous avez besoin est un flux constant de messages sociaux rapides ou un bulletin réfléchi occasionnel donnant un aperçu de votre processus, une liste de lecture, des découvertes récentes, des tests de recettes, etc. Avant de plonger, prenez un moment pour planifier un une ligne et une voix cohérentes qui vous aident à expliquer votre travail, puis mettez-vous au défi de l'ajouter de manière cohérente, en pensant à chaque publication ou à votre courrier électronique comme une seule pièce de l'histoire plus large que vous racontez.
• Objectif: renforcer la crédibilité dans une industrie spécifique.
• Tactiques: Lancez une revue académique ou une publication de niche un récit à la première personne sur ce que vous avez appris en créant quelque chose. La proposition de valeur pour ce type de public est qu'ils apprendront également de votre histoire, afin que vous puissiez entrer dans les mauvaises herbes avec des détails techniques. N'oubliez pas que plus vous répondrez aux besoins des experts, plus vous éloignerez les lecteurs du grand public.
• Objectif: utiliser des réalisations marquantes pour développer votre audience.
• Tactiques: si vous passez un moment très visible - disons que vous avez créé une installation artistique pour une institution bien connue ou que vous jouez dans une pièce de théâtre - les journalistes peuvent vous approcher de manière organique. Mais cela ne signifie pas qu'ils connaissent déjà les profondeurs de votre histoire ou ce qui vous rend intéressant. En fait, il est probablement préférable de passer des entretiens en supposant qu'ils ne savent rien de vous, juste pour vous assurer de partager toutes les informations importantes. Préparez-vous à l'entrevue en réfléchissant à l'avance à quelques «grandes idées» ou histoires potentielles - des points de tension dramatique et / ou comment ce que vous faites se rapporte à des conversations plus vastes. Même s'ils ne posent pas de questions sur ces choses, vous avez le pouvoir de diriger la conversation ou de faire une pipe après avoir terminé leurs questions pour dire: «et ce que je pense vraiment important ici est…»
• Objectif: permettre à quelqu'un qui tombe sur votre travail de comprendre qui vous êtes, ce que vous faites et les types d'opportunités qui vous intéressent.
• Tactiques: examinez attentivement votre site Web personnel. Couvre-t-il tous les détails de base de votre carrière créative tout en mentionnant des associations et des réalisations notables qui pourraient aider un journaliste, un conservateur ou un collaborateur à comprendre ce que vous faites? Fournissez-vous un appel à l'action (par exemple, «commander une illustration» au lieu de «mon travail»)? Pensez à travers le Web des endroits que les gens pourraient vous découvrir et assurez-vous d'adapter le langage pour orienter leur intérêt de manière à ce qu'il s'aligne sur vos objectifs.

Obtenez quelques idées sur papier

Une fois que vous avez une idée générale d'un angle de narration qui sera à la fois intéressant pour les lecteurs et servira vos objectifs, effectuez un vidage cérébral pour déterminer quels détails sur vous et votre pratique créative seront pertinents. C'est bien d'être de longue haleine ici, car le montage aura lieu plus tard.

Commencez à journaliser en couvrant les bases de qui, quoi, où, quand, pourquoi et comment:

• Qu'est-ce que tu fais exactement? Que faites-vous et comment le faites-vous? Cela devra être clair au début de votre histoire. (Plus d'informations à ce sujet plus tard.)
• Pourquoi est-ce important? Pourquoi fais-tu ce projet? Pourquoi cela importerait-il aux autres? Quel impact espérez-vous avoir?
• Quand avez-vous commencé à travailler là-dessus? Quand avez-vous eu l'idée pour la première fois? Quelles sont les dates des étapes importantes comme les investissements, les subventions, les expositions ou les concerts? Parcourez-nous la chronologie pertinente de haut niveau.
• Comment avez-vous fait? Qu'avez-vous appris en cours de route? Quels défis avez-vous surmontés?
• Où tout cela a-t-il eu lieu? Facilitez le suivi de votre voyage physique.
• Avec qui avez-vous collaboré? Répertoriez les noms complets et ajoutez des liens. C'est du bon karma.

Bien qu'il soit préférable d'inclure ces bases, elles ne sont probablement pas suffisantes pour alimenter une histoire passionnante. Creusez un peu plus et réfléchissez à la façon dont vous pouvez créer une tension dramatique et des détails passionnants.

• Pensez en termes d'arc narratif: comment votre histoire peut-elle inclure un début, un milieu et une fin, avec une sorte d'évolution du personnage ou une résolution matérielle en cours de route? Cela me paraissait intimidant, jusqu'à ce que je réalise qu'il n'y a vraiment que quelques formats qui ont été recyclés depuis des centaines d'années. J'ai tendance à écrire une variation de: un étranger vient en ville (perturbant les anciennes manières d'être), un (wo) homme part en voyage (découvrir quelque chose de nouveau), ou David et Goliath (un outsider remet en question le pouvoir établi).
• Considérez les comparaisons, les exemples et les explications qui peuvent rendre l'histoire plus pertinente et convaincante pour les lecteurs qui ne vous connaissent pas encore. Êtes-vous associé à des collaborateurs ou des institutions qui pourraient avoir plus de reconnaissance de marque que vous seul? Y a-t-il des conversations culturelles plus larges auxquelles votre travail fait partie? Tendances qu'elle rejette ou change? Y a-t-il des comparaisons qui peuvent relier votre travail à des concepts plus familiers? (Pensez à tous les articles techniques qui décrivent les services comme «l'Uber de ___».)
• Les généralités sont ennuyeuses, alors rentrez vraiment dans les détails. Alors que vous commencez à raconter votre histoire, efforcez-vous vraiment de nous ramener sur la scène et ce que vous pensiez et faisiez à l'époque. C'est ce que les gens veulent dire lorsqu'ils utilisent cette astuce d'écriture séculaire, «montrer ne dis pas». Si vous êtes un entrepreneur, ne vous contentez pas de dire que vous avez testé différentes versions de l'idée jusqu'à ce qu'une soit bloquée. Si vous êtes un artiste, ne dites pas que vous avez continué à travailler sur l'album jusqu'à ce qu'il sonne bien. Donnez des détails pertinents sur le sujet. Par exemple, lorsque j'ai interviewé Mark Tribe pour cette pièce sur son film de paysage numérique Deep Green : Cascade-Siskiyou National Monument , il n'a pas simplement dit «un projet antérieur m'a conduit dans ce film sur la nature» - ses détails saisissants ont amené l'histoire à la vie:

«Je me suis retrouvé dans les bois avec un groupe de jeunes hommes pour la plupart camouflés avec des AR-15 et des AK-47 tirant des milliers de balles réelles dans les arbres», explique Tribe. «Je suis devenu vraiment curieux du rôle que le paysage a joué, en ce que ces exercices d'entraînement où les gens se préparent et répètent pour Armageddon, ils choisissent de le faire dans ces endroits incroyablement beaux. En partie pour des raisons pratiques, mais en partie parce que je pense que le paysage, dans notre imagination, est une sorte de tabula rasa, une ardoise vierge sur laquelle nous projetons toutes sortes de fantasmes. »

• Vérifiez que vous êtes vraiment honnête. Certaines des interviews les plus frustrantes que j'ai menées ont été avec des gens qui pensent avoir besoin de faire preuve de professionnalisme pour être dans Forbes , ou plus centrés sur la communauté pour être dans Kickstarter Magazine . Lorsque vous ne racontez pas votre histoire vraie, mais essayez plutôt de façonner votre histoire pour qu'elle corresponde aux attentes de quelqu'un d'autre, cela ne rend pas service à tout le monde. Le résultat final ne sera pas convaincant et les gens ne vous connaîtront pas vraiment. Ne fais pas semblant.
• Si vous êtes coincé, essayez de vous interviewer ou demandez à un ami de le faire. Enregistrez du son sur votre ordinateur et obtenez-en une transcription. Temi est un service qui fait cela, mais il y en a beaucoup. Vous pouvez également le taper vous-même si vous préférez ne pas payer pour la transcription. La lecture d'une transcription peut aider les meilleurs morceaux de votre histoire à sortir; il vous donne de la matière première à affiner et vous évite la frustration de regarder une page blanche.

Si vous aimez l'idée de vous interviewer, voici quelques idées de questions pour vous aider à démarrer:

• Pourquoi ai-je commencé ce projet ou commencé ce type de travail?
• Quelle a été la partie la plus difficile ou la plus surprenante de mon parcours créatif?
• Quelles ont été les évolutions les plus significatives en cours de route?
• Comment [mon projet ou entreprise] est-il lié à [une tendance culturelle beaucoup plus large]? Que peut dire ce projet sur cette tendance?

Modifier impitoyablement et mettre les parties les plus importantes en premier

Une fois que vous avez la version longue de votre histoire sur papier, essayez de distinguer quelles parties seraient les plus intéressantes pour votre public - les noms qu'ils pourraient reconnaître, les conversations culturelles dont ils pourraient se soucier, les défis auxquels ils peuvent se rapporter - puis découpez beaucoup de le reste. Concentrez-vous sur un thème clé ou un plat à emporter qui se prête à un titre accrocheur et mémorable. Dirigez avec cela et laissez le reste de ce que vous dites développer l'idée principale.

Le processus pour y parvenir, dans lequel nous sommes sur le point d'entrer, pourrait se lire comme de très bons conseils de journalisme, mais je le partage avec l'intention que vous puissiez appliquer les idées plus largement. Même si vous écrivez simplement un Tweet ou un bulletin d'information ou planifiez une discussion sur votre travail, apprendre à diriger avec une déclaration de thèse claire et convaincante est ce qui fait que tout type de message reste fidèle.

La structure globale que vous allez suivre est la structure de la «pyramide inversée» généralement associée au journalisme. L'excellent livre Made to Stick: Why Some Ideas Survive and Others Die soutient que cette structure s'applique à tout, des affiches de santé publique aux réunions d'équipe.

Structure «Pyramide inversée»:

• Commencez par une ouverture passionnante pour accrocher le lecteur
• Partagez rapidement les informations les plus importantes
• Ensuite, commencez à raconter l'histoire en entier

Autrefois, cette structure donnait aux rédacteurs en chef la possibilité de lire rapidement les derniers paragraphes des articles s'ils avaient besoin de faire rapidement de la place pour les dernières nouvelles. Maintenant, c'est juste un bon moyen de s'assurer que le plus de lecteurs atteignent le point le plus important de votre message. (Le lecteur moyen passe quelques secondes sur les liens sur lesquels il clique, lisant principalement les premiers paragraphes , probablement depuis son téléphone .)

Cela met beaucoup de pression sur les premières lignes de ce que vous écrivez. Un bon crochet d'ouverture est ce qui rend votre histoire immédiatement passionnante ou non.

Je trouve que la recette d'un titre et d'une piste qui attirent l'attention ( ou «lede» dans le jargon des journalistes ) est: pertinente + reconnaissable + inattendue + séduisante . Vous avez besoin de points de contact familiers, mais sans pertinence en temps opportun, ils peuvent ne pas ressembler à une nouvelle histoire qui se déroule. Et appeler des connexions improbables, des juxtapositions intéressantes ou des conversations culturelles plus larges aide toujours à susciter la curiosité.

Voici quelques exemples de titres et de leds d'ouverture, avec des notes sur pourquoi ils sont bons:

Cette pièce est une entreprise de technologie qui écrit sur elle-même - il est difficile de bien faire, mais des faits objectifs et des comparaisons colorées la ressemblent plus à un article de presse qu'à un communiqué de presse. Le titre indique clairement que Glitch vise à créer des applications et propose une comparaison pertinente et basée sur des données pour prouver son échelle. Ensuite, les premières lignes brossent un tableau de l'avenir que l'entreprise veut et crée en fait, attirant les lecteurs qui veulent faire partie de cette mission inspirante.

D'accord, j'ai écrit celui-ci , mais cela signifie que je peux vous dire exactement la pensée qui y est entrée. Il s'agit d'un inventeur dont le lecteur n'a probablement jamais entendu parler, j'ai donc voulu le connecter à une idée beaucoup plus large: les drones du futur. Son opinion selon laquelle les drones d'aujourd'hui sont une sorte de gâchis dystopique chaotique, et que des organismes millénaires peuvent nous guider vers une meilleure conception, est séduisante et inattendue, alors j'ai mené avec cela.

Clouez votre ouvre-porte et clarifiez votre point principal

En journalisme, après que le titre et les premières phrases aient intéressé les lecteurs, le «graphe de noix» immédiatement suivant ( jargon du journalisme pour «paragraphe bref» ) devrait donner un résumé rapide et consolidé des informations les plus importantes. Dans votre propre narration, vous pouvez apprendre de cette approche en vous assurant que toutes les informations essentielles sont incluses vers le début, c'est donc la première chose que les lecteurs voient.

Voici quelques exemples de graphiques de noix et pourquoi ils fonctionnent:

Ce graphique de noix résume parfaitement les faits essentiels et les détails de la chronologie: la ligne de mode relativement nouvelle et indéniablement excitante de Rihanna étend désormais sa portée grâce à un accord de streaming avec Amazon Prime Video. (La partie sur le modèle qui entre en travail n'est pas une information essentielle, mais illustre le point que l'écrivain essaie de faire valoir.)

Celui-ci est en quelque sorte un exemple de truc - le graphique de lede et d'écrou est roulé ensemble dans ces deux lignes d'ouverture. Cela a du sens parce que la pièce est vraiment courte, juste trois paragraphes au total, donc l'écrivain vous connecte avec la chanson de la nomination estivale, puis passe directement aux détails de base sur les artistes reconnaissables qui ont produit le morceau.

Développez vos idées, mais gardez-les faciles à lire

En tant que personne qui aime lire, je déteste vous dire cela, mais tout ce qui est important dans votre message devrait être dans votre graphique à barres et à écrous. Si quelqu'un arrête de lire tout de suite, il devrait être en mesure de vous dire en quoi consiste l'ensemble de la pièce.

Ce n'est pas parce que certains peuvent arrêter de lire que vous devez arrêter d'écrire, bien sûr. Il y aura des gens qui choisiront de lire tout au long et vous devriez les récompenser avec une prose claire et bien organisée. Voici quelques conseils rapides pour le faire:

• Utilisez un langage simple. Le jargon est un arrêt, et faire ce truc de papier de collège où vous "allongez votre prose sucrée avec une abondance de verbiage superflu" est horrible à lire.
• Plus court est toujours mieux. Décrivez les choses aussi simplement que possible. Coupez chaque dernière lettre possible.
• Évitez le langage ambigu. Deux personnes pourraient-elles lire une phrase et repartir avec des compréhensions différentes? Si oui, essayez de le réécrire pour communiquer plus précisément ce que vous voulez dire.
• Faites attention à l'utilisation répétitive de mots ou de structures de phrases.
• Organisez votre pièce en sections avec des en-têtes en gras. Cela facilite la lecture rapide par un lecteur et vous oblige également à rester sur le sujet et à organiser vos pensées.
• Inclure des images illustratives (avec légendes). Cela aide les lecteurs à visualiser ce dont vous parlez.
• Lisez votre écriture à haute voix pour vérifier si cela ressemble à un flux naturel. Si vous vous trompez, vous devez simplifier votre choix de mots et la structure de votre phrase.

Comment vérifier que vous avez bien fait cette chose

Une fois que vous avez écrit votre histoire, utilisez cette liste de contrôle pour vous assurer que vous avez cloué les points clés de ce guide:

• Si je tombais sur votre titre et votre révélateur quelque part sur Internet, serais-je incité à lire plus? Aurais-je une idée générale de votre histoire plus longue? Puis-je lire les deux premiers paragraphes et comprendre immédiatement pourquoi votre histoire est importante?
• Avez-vous mentionné des associations notables ou reconnaissables, des collaborateurs, des récompenses, des lettres de créance, etc. dans ces premiers paragraphes?
• Si je survolais rapidement le tout, y aurait-il un point principal ou un point à retenir qui serait difficile à manquer? (Si vous rencontrez des difficultés avec celui-ci, n'oubliez pas que les en-têtes de section en gras sont votre ami.)
• Y a-t-il des faits (qui, quoi, quand, où, pourquoi des détails) que deux lecteurs différents pourraient interpréter de deux manières différentes? Si oui, ajoutez des liens, reformulez pour plus de clarté, clarifiez la chronologie, etc.

Assurez-vous que les gens le voient réellement

Et si vous faisiez tout ce travail et que seulement trois personnes le voyaient? Ha ha ha ne faisons pas ça.

Une fois que votre histoire est écrite dans un format clair et convaincant, vous pouvez faire toutes sortes de choses avec. Revoyez votre objectif (vous savez, celui auquel vous avez pensé plus tôt dans ce guide) et réfléchissez aux formats dans lesquels votre histoire doit être:

• Envisagez de prendre des idées clés de votre article et d'en faire une série d'articles ou de publications sur les réseaux sociaux.
• Utilisez ce que vous avez écrit pour présenter des publications que vous pensez pouvoir écrire sur votre travail. Ils ne voudront probablement pas republier quelque chose que vous avez déjà fait, mais voudront peut-être entendre ce que vous avez à dire d'autre. Assurez-vous de publier des publications là où votre article serait sur le sujet, et gardez à l'esprit cette recette pertinente + reconnaissable + inattendue + séduisante dont nous avons parlé. Beaucoup de conseils dans ce guide sont complémentaires au grand guide TCI de ma collègue Kate Bernyk sur le pitching à la presse .
• Si vous avez rédigé un article moyen, un fil social, une page de site Web ou même réussi à publier une publication, assurez-vous de partager un lien vers votre histoire avec des amis et des connaissances en réseau. Vous n'êtes pas obligé de leur demander de le partager si cela vous met mal à l'aise, mais vous pouvez toujours demander leur avis. Demandez-leur ce qu'ils en pensent et comment ils pensent que vous pourriez le diffuser plus largement. Ce type de demande offre plus d'opportunités sur la façon dont ils pourraient s'engager: peut-être qu'ils retweeter, peut-être qu'ils offrent une modification, peut-être qu'ils font une introduction utile. Garder la lumière demandée signifie que ce n'est pas trop demander aux gens assez loin de votre circuit normal. Cela ne fait jamais de mal de demander.
• N'oubliez pas: les emplacements ne sont pas réservés à la presse et n'ont pas toujours besoin de beaucoup de pages vues pour être utiles. Le fait d'avoir une histoire forte sur votre site Web ou canalisée via vos publications sur les réseaux sociaux peut aider les collaborateurs, les conservateurs et les organisations subventionnaires potentiels à vous connaître au fil du temps. L'envoi d'un lien vers une pièce bien pensée peut parfois être plus facile que d'attirer l'attention sur un appel téléphonique. Le mettre dans votre signature électronique ou l'épingler en haut de votre profil Twitter peut aider les personnes avec lesquelles vous interagissez avec désinvolture à découvrir ce que vous faites à un niveau plus profond.
• Enfin, je vous recommande de lire le guide TCI bien usé de Kathryn Jaller sur l'autopromotion réfléchie . Ce guide peut vraiment vous aider à insérer ces conseils généraux de narration dans les réalités de la publication des plannings, des outils de site Web et des mesures de performance. Dans l'ensemble, l'opérationnalisation de la façon dont vous racontez votre histoire est ce qui la mettra devant les gens.

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